Те са жени, черни са и не правят изкуство за това

Нова изложба в Националния музей на жените в изкуствата се сблъсква с две фалшиви предположения, заложени в света на изкуството. Първо, че жените трябва да правят женско изкуство и второ, че афроамериканските художници трябва да правят фигуративно и активистко изкуство, произведения, които се сблъскват с въпросите на расата, неравенството, несправедливостта и дългата история на насилие срещу чернокожите хора.

Магнитни полета: разширяване на американската абстракция, 1960-те до днес се фокусира върху чернокожите жени художници, които работят извън или извън тези диктати. Работата включва огнени абстракции, направени със съсиреци океани от боя и деликатни щампи с нюанси на розово и изискани ажури. Някои картини избухват от стените и доминират в пространството; други интимна тишина и привличат зрителя все по-близо до своята загадъчна сдържаност. Но всички се противопоставят на естетическите очаквания, вкоренени в произволните категории раса и пол.

Както обяснява въвеждащото есе към каталога на шоуто, тези художници работят върху периферията на периферията на периферията. Къде са тези множество периферии? В никакъв конкретен ред на приоритет, помислете за първи пол и абстракция. До средата на миналия век областта е доминирана от мъже, които пренасочват идеите на 19-ти век за героичния художник и демоничните сили на емоционалното изразяване. Жените, които работеха в необективни стилове, бяха пренебрегнати, маргинализирани или погрешно интерпретирани. Когато успееха да успеят при собствените си условия, често това беше защото визуалният език, който използваха, отразяваше очакванията за техните тела и поведение, малки, деликатни жестове, приглушени цветове или повтарящи се форми, които успокояваха окото. Имаше изключения, разбира се, но изключенията засилиха традиционните очаквания по обичайния начин, по който властта се защитава: Обвинявате ли ни, че ви изключваме или маргинализираме? Е, този самотен пример за обратното подкопава вашето обвинение.

След това помислете за расата. Времевата рамка, обхваната от тази изложба, проследява историята на изкуството от върховния знак на движението за граждански права през 60-те години на миналия век до движението Black Lives Matter на нашето време. Много от жените, включени тук, се противопоставиха на дърпането да правят изкуство, което беше изрично политическо или пряко свързано с чернокожото преживяване. Абстрактното изкуство често се разглеждаше в расово отношение като елитна форма, практикувана от бели художници. Очакваше се чернокожите художници да медитират върху черните идеи, като използват визуален език, извлечен от идеите за африканските корени на опита на афроамериканците или диаспората.

[ Националната галерия разглежда 10 Vermeers в контекста на връстниците на художника ]

Милдред Томпсън, един от най-добрите художници в тази изложба, няма да има нищо от това. Да копираш символи, които човек не разбира, умишлено да използваш форма, която човек не знае как да анализира или оцени, беше за мен върха на проституцията, каза тя. И тя не искаше да отстъпи абстракцията на елитните художници: може би защото бях живял и учил с „бяло“, се бях научил да ценя чернотата си.

Това е мощно изявление за независимост, което постоянно се оспорва от вкоренените навици на критици, куратори, учени, колекционери и публика.

Така че включеното изкуство се чувства настойчиво, демонстративно, откровено и без извинение. Но освен тази споделена чувствителност, има ли връзки между тези произведения? Има ли афинитети на стил или детайли, които обвързват някое отделно произведение с 40-те други, които се виждат? Има ли извлечение, което надхвърля отделния художник?

Това е опасна територия. След като започнете да търсите тези връзки, рискувате да ограничите самото нещо, което художниците са се стремели да запазят: индивидуалността и sui generis изразителното съдържание на всяко произведение.

евтини билети за Джъстин Бийбър 2016

И все пак, изглежда, че има следи от общо или родство, особено в това как няколко произведения изразяват чувство за разцепление или разделение. Може би това улавя как властта действа върху нас, начина, по който създава разделение не само между социалните групи, но и в нашето самочувствие. Силата ни казва какви трябва да бъдем, независимо кои сме всъщност. То ни отделя от вроденото ни достойнство и щампова собствената си цена върху нашите идеи, нашите дарби, нашия принос.

В голяма и динамична композиция от Shinique Smith, Whirlwind Dancer, деколтето е физическо. Картината изглежда отначало представлява един-единствен, единен обект, някакъв вид вихър или вихър, който е изсмукал материала и отломките от половинвековна живопис в примка, извиващ се израз на чиста енергия. Но това всъщност са две съединени платна и докато изучавате този шев, разбирате, че линиите или формите пресичат разделението само на няколко места. Тази метафора на енергия, която е цялостна, въпреки че е разпръсната през процеп или пукнатина, е същността на силата на произведението.

Скулптура на Барбара Чейс-Рибуд, чиито бронзови и плат стели се виждат в галерията Майкъл Розенфелд в Ню Йорк тази есен, е разделена хоризонтално, като платената пола изглежда носи огромната тежест на бронзов торс. Статуята разиграва диалог, който много хора усещат вътрешно, между първичния страх, че всичко може да се срине, и вълнуващото усещане, че по някакъв начин успяваме да я държим спряна в ефира на нищото.

[ Националната портретна галерия избира художници , които да рисуват портретите на Обама ]

Джени С. Джоунс е представена от работа, която използва акустични панели за създаване на класически, минималистични абстракции. Но акустичните панели носят със себе си намеци за тишина и дихотомия, която не е различна от тази, предложена от работата на Чейс-Рибуд: това за тишината ли е, което е платното, върху което е написана музика и освобождаваща духовна сила, или актът на заглушаване, коя е първата и основна стратегия на властта?

Тези дихотомии се разпространяват в цялата изложба. В една особено спираща дъха работа, неозаглавена картина от 1972-73 г. на Хауардена Пиндел, платното е покрито с малки точки със същия размер като малките кръгли парчета хартия, останали при използване на перфоратор. В друга работа тя използва действителните кръгли хартиени парчета, смесени с боя, за да създаде автобиографична творба със странна форма, отнасяща се до времето, което е прекарала в Япония. Но в неозаглавената акрилна картина тя е нарисувала щателно тяхната двуизмерна следа, върху платно, което включва илюзионистичен модел на гънки, сякаш цялото нещо е било натъпкано в шкаф или оставено да лежи на пода, неопазвано, до несъвършенства придоби форма. Това е сложна работа, която стартира ума върху верига от въпроси – кой е направил тези точки, кой е ударил хартията и с каква цел и какво е написано на страниците на хартията, която е перфорирана? — които в крайна сметка насочват към идеята за текст или документ, който ни се крие.

Това е въпросът, с който властта трябва да бъде строго изправена: Какво се крие от нас? Тази изложба е един, практичен, прагматичен отговор на въпроса. Но, разбира се, въпросът повдига друг: какво лишаваме от себе си?

Магнитни полета: разширяване на американската абстракция, от 1960-те до днес може да се види в Националния музей на жените в изкуствата до 21 януари. За повече информация посетете www.nmwa.org.